書を現代アートへと昇華させる ――董陽孜 新たな試みで 書を世界の言語へ

:::

2017 / 11月

文・蘇俐穎 写真・林旻萱 翻訳・久保 恵子


今年70歳を迎えた董陽孜は、今も時代の先端に立ち、西洋芸術の構図を運用して、書を九宮格(一文字分を九マスに分けた書道の練習用紙)の枠から解き放ってきた。文学者・台静農は彼女を「筆を杭のように運ぶ」と評した。大きな筆で極限まで巨大な書に挑戦し、奔放な字は紙背まで力が突き抜け、書を現代芸術に引き上げた。最近では、書を若い世代に伝えようと、文字を点、横画、縦画、払いなどに解体して、これを再構成することで、ファッション、ジャズ、映像などのジャンルに広げている。東洋的な美学に基づく書の芸術を、高度に西洋化した現代に再生させたのである。


 一人の書の芸術家として、董陽孜は芸術精神を抱いているが、関心は東洋的である。

20年来の知己である建築家の姚仁禄は「董陽孜の特徴的な点は、文字の存在意義を堅く信じているところです」と言う。彼女は愛する書を、隷書楷書など伝統的な書体から芸術へと引き上げ、書の世界の制約を打ち破り、現代的な解釈から書の芸術的エネルギーを活性化した。

実際、数千年の時を経た古い芸術である書は、東洋的な中華文化の象徴に留まるものではない。書は手が生み出す産物で、柔らかい毛筆で流れる墨を操り、紙の上に様々な造形の文字記号を作り出していく。「運命の超克」を考える西洋的思想とは異なり、老子の言う「柔よく剛を制す」ことを体現する書の背後には、東洋的思考がある。

董陽孜は書の継承を心配するというより、高度に西洋化した現代社会において、誇るべき文化の基礎が失われていくことを恐れている。そこで、書の世界を越えて共作を進めるのは、衰退しつつあるこの文化を、次の世代に伝えていくためなのである。

書の解体と再構築

董陽孜の名を聞いたことはなくとも、台湾に生活していれば、その書と共にある。ダンスのクラウド・ゲイト、映画の「孽子」「一代宗師」に、金石堂書店など、すべて彼女の書になる。

董陽孜はそこでも、単なる書家に安んじることはない。注文主から依頼を受けて、建物や製品に書を提供したり新年に春聯(旧正月用の書)を書くのでは、何の新しみもなく、若い人の注意を惹かない。董陽孜は芸術家の立場から、書の字体は漢代から現代まで時代を超えられるので、これをより多彩な形式に応用できると考えた。そこで、書を記録の機能から芸術的なレベルにまで引き上げたのである。

董陽孜の作品は巨幅であるため、揮毫に際しては多くの紙を貼り合わせるのが常である。そこで過去に作品としてのレベルに達せず、淘汰したものから、紙を剥がして許容できる部分を選び出して、百点の作品に再構成し、2011年末に「無声の楽章」と題して展示した。再構成した書は、字の形を成してはいないが、雄渾な筆致は強烈な美感を具え、魅惑的な抽象画のようでもあり、書のイメージを一新させる。

キュレーターを担当した姚仁禄は、董陽孜のためにバンド五月天のボーカル阿信や陳綺貞を招いた。アーティストが無声の楽章のイメージを音楽の語法に転換し、書に偏見を持たない若い人を歌声で惹きつけたのである。伝統とポップス、音楽と書とが、ジャンルを超えて出会った。

書道芸術は字体の造形、墨の色の調合と滲み、作品全体の余白構成などが関り、さらに作品制作は一気呵成にやり直しがきかない時間芸術の要素も有する。さらに、董陽孜は狂おしいまでの線の動きを加え、豊かな芸術性を具えて、ジャンルを超えた芸術創作を導いていく。

董陽孜はその書を発端として、若いデザイナーや芸術家との共作を繰り広げる。「私の創作が応用できるのなら使ってください」と呼びかけ、古い芸術である書の世界に、若い芸術家の声が共鳴する。

こうして、董陽孜のジャンルを超えたチャレンジが続く。抽象的な書のラインに、ジャズや現代詩が結びつき、「追魂」と名付けた書のパフォーマンスとして、モダンダンスとジャズ、マルチメディアの「騒」劇場が展開した。その規模は年々拡大しつつある。

「騒」、即興とインタラクティブの極致

「あなたの音楽と私の書のラインは似ていますね」と、董陽孜に言われたとき、ジャズ・ミュージシャンの張坤徳は驚いた。

「追魂」「騒」と共作を続けて、張坤徳は書の円やかながら力強いタッチが、サックスの変化のある音のラインに似ていると感じるようになった。しかも両者は独創的な即興創作である。「追魂」「騒」のマルチメディア映像を担当した陳彦任は「ジャズも書も即興を基本とし、構成はあるものの、両者がぶつかり合った時に新しい体験が得られます」と語る。

2014年から毎年、書のラインとモダンダンス、ジャズマルチメディア映像などが共演する「騒」「騒+」「騒2016」シリーズのパフォーマンスにおいて、それまでは中国の古典的雰囲気を醸し出す脇役に置かれていた書を、線の芸術として主役に押し上げた。

書の即興性に対応するかのように、監督も脚本もないパフォーマンスは、マルチメディアにより構築された3D空間を骨格とし、音楽とダンスを組合わせて肉体を構成し、ジャンルを越えた流れを生み出していく。三つのジャンルを融合させるため、ダンサー、ミュージシャンとマルチメディア・クリエイターが、創作の全過程に参加し、それぞれの実力と個性に、書への理解と自身への期待を加えて「騒」のテーマを表現した。

衝突と取捨を繰り返す過程から、精確性が高まり互いの呼吸が合い始め、全員がゾーンに入っていったと張坤徳は言う。そして、呼吸が合い始めると、言葉を費やさなくとも、アイコンタクトで意思が疎通でき、ダンサーの次の動きが分るようになるので、ミュージシャンもその動きを助けられるようになると言葉をつづけた。

「芸術創作の多くは、その最高点を想像できますが、新しいコンセプトとなると、どうでしょうか。多くの可能性があるではないですか」と董陽孜は語る。ファッションの芸術性に興味を持つ彼女は、パフォーマンスだけでなく、ファッションにおいても書の芸術の場を見出そうと考えた。

 

芸術とファッション

 

2016年から、彼女は5年に期を定めた「読衣」展を展開している。去年は、若いデザイナーを招き、彼女の書のラインをデザインのテーマとした創作を依頼した。書の解体と再構築の手法で、字形の束縛を免れ、純粋な要素としてデザインに運用できる。これが立体構成に長けた陳劭彦に向いていた。

陳劭彦は濃淡ある墨の躍動感に魅せられ、「書のラインは力強く流れ、空間秩序の感覚があります」と語る。フレーム、パニエ、綿のパッド、プリーツを多用して立体感を出した。「ファッションにも流動感を表現したいのです。身体にラインがまとわりついて、人とドレスの間に空間の感覚を生み出します」と語る。この作品シリーズは、出生から死に至るまでの過程を表現していて、陳劭彦はこれを変態と名付けた。

「台湾社会が私を受け入れてくれ、企業が創作をサポートしてくれたことに感謝しています。この社会の貴重なところです」と語る董陽孜は、書のすばらしさを紹介しようと、海外に留学して帰国した若い人たちを、ジャンルを越えた芸術のゲームに誘う。こういったジャンルを跨ぐ共作があって、家庭の主婦だった彼女は家を出て芸術を探求することができたという。そして、書という文字芸術を現代芸術として完成させ、多くの若い人に向けて自分の文化を見直す機会を提供しているのである。

相關文章

最新文章

英文 繁體中文

Flouting Calligraphic Conventions: Tong Yang-tze Breathes New Life into an Old Art

Lynn Su /photos courtesy of Lin Min-hsuan /tr. by Jonathan Barnard

Septuagenarian Tong Yang-tze has long stood at the cutting edge of her era, bringing Western techniques of composition to the narrow confines of Chinese calligraphy. Her unruly character forms, energetically applied to paper, have lifted contemporary calligraphy from traditional handicraft to modern art. She aims to pass along the art of calligraphy to the young, and her calligraphy in recent years has grown only more playfully unruly, as she has deconstructed her characters’ brushstrokes and brought them to the realms of fashion, jazz and multimedia. In the process she has given calligraphy, an art richly imbued with ancient Far Eastern aesthetics, a new life in the Westernized era of today.

 


Famous calligrapher Tong Yang-tze holds the spirit of an artist and the cultural concerns of a proud East Asian.

The renowned architect Eric Yao, who has known Tong for 20 years, says, “Most notably, Tong is very persistent in finding the meaning inherent within Chinese characters.” She takes beloved traditional calligraphic styles, such as official script and standard script, and breathes new life into them, erasing the boundaries of traditional calligraphy via modern interpretations.

In truth, Chinese calligraphy, a classical art that has been passed down for thousands of years, holds greater meaning than simply serving as an important representation of Asian and Chinese culture. Calligraphy is a product created by hand. It represents the application of human effort to a soft brush and flowing ink that renders unique versions of textual symbols on paper. As opposed to the Western emphasis on “man gaining mastery over nature,” it adheres more to the attitude expressed by ­Laozi in the Dao De Jing: “The pliant and weak triumphs over the hard and strong.” Behind calligraphy, there are profound Asian insights.   

Tong does not so much fear the loss of calligraphy, as worry that in modern, Westernized society, we are slowly but surely losing cultural roots of which we should be intensely proud. Consequently, she frequently looks to foster cross-disciplinary collaboration through calligraphy as she transmits this constantly evolving cultural tradition to the younger generation.

Deconstructing calligraphy

Tong doesn’t regard herself as a calligrapher per se. From the standpoint of art, she believes that ancient Han- and Tang-Dynasty calligraphic styles can be moved into the present day, but she aims to give them a greater variety of forms and expressions that will help to raise calligraphy from the stuff of historical records to the realm of art. 

From past works of hers that she had rejected, she picked out a total of 100 that she felt had satisfactory parts, and in late 2011 created an exhibition of core calligraphic components entitled “Silent Symphony, Musical Calligraphy.” Those deconstructed brushstrokes ended up looking like a series of captivating abstract paintings, challenging people’s preconceptions about calligraphy.

Eric Yao, who curated the exhibition, invited pop singers, including Cheer Chen and May Day’s lead singer ­Ashin, to find musical inspiration from looking at Tong’s works. Yang then matched the calligraphies with the music. The exhibit ended up attracting many young people who might have originally held negative impressions of calligraphy to come and enjoy.   

Calligraphy involves character forms, the mixing of ink, the rendering of ink marks, the overall arrangement of brushed black ink and blank white paper, the sound of the characters read aloud, and the aesthetic beauty that comes with works that are created in one go without any possibility of revision. Add to that mix Tong’s frenetic lines, and the result is a rich artistry well suited to different creative realms. Reinterpreted by a young generation of musical artists, classical calligraphy has been given a youthful twist.

Sao: In the moment in multiple disciplines

“Your music is a bit like the strokes of my calligraphy.” The first time jazz musician Kunter ­Chang heard Tong say that, he was taken aback.

After collaborating on the exhibitions “Evoking the Soul” and “Sao” (meaning “disturbance”), ­Chang gradually come to understand that the strokes of Chinese calligraphy, which can be rounded and smooth or wild and crazy, do indeed resemble his constantly changing lines of music on the saxophone. Even more importantly, both are improvised, never to be recreated in identical fashion.

Beginning in 2014, and continuing for three years, productions of Sao, Sao Plus and Sao 2016—all multidisciplinary mashups of calligraphy with modern dance, jazz and multimedia—were performed in theaters. Echoing the spontaneity of calligraphy, these productions were staged without directors, scripts, scores or choreo­graphy. The performers relied on multimedia projections in a three-dimensional space that created a structure for the improvised music and dance to fill in and flesh out. The performances thus demonstrated tremendous exchange and flow among the artistic disciplines. To blend these three artistic realms, the dancers, musicians and multimedia designers were all ­required to participate in the entire creative process, so that their individual characters and strengths, as well as their personal understandings of the calligraphies, would help to shape that particular version of Sao.

Noting that conflict and choice can raise artistic rapport and precision, ­Chang says, “You could almost describe it as like the state that a medium enters.” He adds, “Once that rapport is established, the need for language gradually disappears, as the performing artists can communicate with their eyes. By simply looking at a dancer, you can predict her next move, know that she is going to leap, and the music can immediately move to help.”

Bringing “art” to “fashion”

“Most artistic creation comes with an imagined high point,” says Tong, “but with a truly new concept, where is the high point? We let people find it for themselves.”

Apart from bringing calligraphy to performance art, she has also been staking out a space for calligraphy in the realm of fashion.

The exhibition “From Ink to Apparel: A Crossover between Calligraphy Art and Fashion Design” began in 2016 and will run for five years. Last year, young designers were invited to create clothes inspired by the brushstrokes of Tong’s calligraphy. By deconstructing calligraphy, the shackles of the Chinese characters were discarded, turning the individual strokes into pure elements of form that could be easily appropriated into fashion design. It was right up fashion designer Chen Shao Yen’s alley.

He was especially captivated by the sense of rhythm in the ink: “Her calligraphy’s lines are flowing and powerful, and they offer a sense of space and order.” Through the abundant use of skeletal frameworks, puffy skirts, padded cotton and pleats, which help to support a sense of three-dimensionality, “I hoped to express a sense of flow in my clothes, and allow the lines to wrap around the wearer’s body, so that the body and clothes together could engender a sense of space.” From start to finish these works were in a continual process of evolution, so the name Chen gave to them was “Metamorphosis.”

To promote the beautiful art of calligraphy, Tong Yang-tze has gathered some young friends who have returned to Taiwan after studying abroad to take part in these cross-disciplinary collaborative performances. She says that the collaboration gets her, a housewife, out of the house. Similarly, by turning calligraphy into contemporary art, she is also getting more young and old people alike to move from a state of never encountering calligraphy to taking a new look at an important part of their cultural heritage.

董陽孜當代藝術新解 將書法提升至世界性語言

文‧蘇俐穎 圖‧林旻萱

今年已是從心之年的董陽孜,依舊站在時代浪頭的尖端,她運用西方藝術構圖的技法,將書法從規矩的九宮格中釋放出來;文學家臺靜農說她「運筆如椽」,她以巨大的中鋒挑戰書法尺寸的極限,狂狷不羈的字體,力道直透紙背,一舉把書法從傳統工藝提升到現代藝術的境界。近年,為了將書法傳承給年輕人,她將書法越玩越狂,恣意解構文字成抽象的點、橫、豎、撇、捺,再試圖置入服裝、爵士樂、多媒體影音等領域,讓饒富東方美學的書法藝術,在高度西化的當代綻放出新生。


作為一名書法藝術家,董陽孜的精神是藝術性的,關懷卻是東方式的。

與她結識超過20年的建築師姚仁祿說:「董陽孜最特殊的一點,就是對於文字存在的意義,非常的堅持與執著。」她把自己喜愛的書法,從「漢隸唐楷」等傳統字體提升到藝術的境界,減少傳統書法的界線,作現代性詮釋,也活化了書法藝術的能量。

事實上,作為一項流傳千年的古老藝術,書法意味的可不只是東方、中華文化的重要象徵而已。書法是手工的產物,藉由人力去操縱柔軟的毛筆與流動的墨水,在紙張上形成一個個造型迥異的文字符號,有別於西方強調的「人定勝天」,更貼合老子《道德經》中所說:「柔弱勝剛強」的姿態。書法的背後,是博大精深的東方思維。

與其說董陽孜擔心失去書法傳承,不如說是憂慮在今日高度西化的現代社會中,會一點一滴地流失我們本該引以為豪的文化根底。因此,她頻頻以書法作跨界合作,為的就是要讓這項逐漸式微的文化傳統,從年輕一輩延續下去。

解構書法,釋放文字魅力

就算可能沒聽過董陽孜的名字,事實上只要生活在台灣,我們就與她的文字共存。好比「雲門舞集」、「孽子」、「一代宗師」、「臺北車站」、「金石堂書店」……從企業行號到電影劇場,都有她的墨寶。

即便如此,董陽孜始終不以書法家自居。對她來說,只被動接受商業合作,為建築、商品題字,或者是在過年時臨場揮毫、寫春聯,不僅缺乏新意,也無法吸引年輕人注意。她回歸藝術家立場來思考,既然書法的字體都可以從漢唐跨越到現代,那應用上也該有更多元的形式吧,於是她把書法從紀錄的功能拉高到藝術審美的層次。

董陽孜的作品以規格巨大著稱,由於揮毫時需要多張宣紙相連,她從過去淘汰的作品中,挑選出局部滿意者,一共100幅作品,作為2011年底《無聲的樂章》展覽的核心元素,這些解構後的筆畫,雖然不成字形,雄渾的筆觸仍保有強烈的視覺美感,看上去就像一幅幅迷人的抽象畫,也淡化了一般人對書法的刻板印象。

也擔任策展人的姚仁祿,為董陽孜媒合了流行歌手五月天主唱阿信、陳綺貞,藉歌手從觀賞「無聲的樂章」所得的靈感,轉譯成音樂語言,吸引許多本來對書法抱持成見的年輕人共襄盛舉。傳統與流行、音樂與書法,都在這個跨領域的舞台遇合了。

書法藝術牽涉到字體造型、墨色的調配、墨痕的渲染、整幅作品的虛實佈局、字音朗讀,還有書寫時必須一氣呵成、無法重新來過的時間藝術之美,加上董陽孜狂放生動的線條,豐沛的藝術性,啟發了不同領域的藝術創作。

她以自己的書法作為引子,邀請年輕設計師、藝術家合作展演,她說:「假如我的創意可以讓他們用,那就用!趕快用!」通過年輕藝術家,讓古老的書法有了年輕的聲腔。

此後,董陽孜越玩越大,橫跨的領域也越來越有挑戰性。抽象的書法線條,結合爵士樂、現代詩,作成《追魂》詩與樂系列作品;融合現代舞、爵士樂、多媒體影音的《騷》跨界劇場,甚至應用在時裝的《讀衣》時尚×藝術跨界展,概念、規模,一年比一年令人瞠目結舌。

《騷》:在時間中即興互動的極致

「你的管樂,跟我的書法線條有一點像。」第一次聽到董陽孜這樣說時,爵士音樂家張坤德愣了一下。

隨著《追魂》、《騷》多次合作下來,張坤德逐漸體會到,書法可圓潤可狂野的筆觸,像極了他吹奏薩克斯風時多變的聲線,更重要的是,兩者都是空前絕後的即興創作。為《追魂》、《騷》製作多媒體影音的陳彥任說明:「爵士樂與書法,都有基本功,也都是即興,雖然有結構在,但在某些時候激盪在一起,就會得到一種新的體驗。」

2014年開始,連演3年,以書法線條結合現代舞、爵士樂、多媒體影音的《騷》、《騷+》、《騷2016》系列跨界劇場,書法線條藝術一躍成為主體,突破一般表演藝術多把書法當作襯托中國古典氛圍的陪襯角色。

就像呼應書法的「即興」,這幾齣沒有導演,也沒有劇本的演出,仰賴多媒體視覺在三度空間中建構出章節骨幹,再藉由音樂和舞蹈的互動,填入血肉,表現跨界的交融流動。為了揉合三個不同的領域,所有的舞者、音樂家、多媒體工作者,都必須放棄配合導演需求的被動工作模式,全程參與創作過程,以各自的實力與個性,加上對書法作品的理解與自我要求,經過反覆的爭辯、碰撞、取捨,磨合出《騷》的作品。陳彥任說:「大家的語言都不一樣,但對作品的完成度都有一定的想法。這也讓我學習使用別的角度去欣賞、理解作品,顧及作品的全面性。」

痛苦的磨合過程,也提升表演現場的精準度,張坤德說:「後來演出時,精神上幾乎是『靈媒』的狀態。」他補充說明:「當默契培養起來,慢慢地就不需要語言,可以在眼神上、意識上溝通。一看到舞者就能預測到下一個動作,音樂隨即就可以做出適切的回應。」《騷》把時間裡的藝術發揮到極致。

拿「藝術」來做「時尚」

董陽孜說:「大部分的藝術創作,都已經有一個想像得到的頂點,但一個新的觀念,最高點在哪裡?有很多可能性,需要我們一起來完成。」

一部時尚產業紀錄片《時尚惡魔的盛宴》,裡頭一句:「Fashion is art. Art is fashion.」在董陽孜心中留下強烈的驚嘆,其實她早已想在時尚產業裡,找到書法藝術可以插足的一席之地。

早在2011年,就有過《唯衣》的實驗,把文字藝術與T恤作結合,2016年起,她展開為期5年的《讀衣》跨界展,邀請年輕的服裝設計師,去年,她提出書法線條作為題目。經過解構的書法,擺脫字型的束縛,成為純粹的素材,更容易運用在造型設計上,與擅長立體結構的陳劭彥不謀而合。

陳劭彥格外著迷於墨韻的動感,「書法的線條流暢、有力道,也有空間、順序的感覺。」透過大量的骨架、蓬裙、鋪棉、打摺,支撐起布料的立體感,「我希望在服裝上表達出流動感,讓線條在身體上環繞,人與服裝之間產生空間感。」這一系列作品,象徵出生到死亡不斷演化的過程,陳劭彥把它命名為〈變態〉。

「我一直很感謝台灣社會包容我,企業家出資贊助讓我完成創意,這就是我們社會的可愛。」為了推廣美麗的書法,董陽孜召集海外學成歸國的年輕朋友,參與跨界遊戲,她說,跨界合作讓她從一個家庭主婦走出家門,而她,把文字藝術作成了當代藝術,也讓更多年輕朋友,從無邊無垠的書藝世界,重新遇見自己文化的源頭。

X 使用【台灣光華雜誌】APP!
更快速更方便!